Inmaculada Lara Cepeda

—Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca, escultora y poeta—

01.- Aporte un resumen de su biografía.

Nacida en Tomelloso (Ciudad Real). Artista plástica e Intermedia. Escultora. Arte Sonoro. Performer. Poeta. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca. Es Técnico Superior en Artes Aplicadas a la Escultura por la Escuela de Artes de Ávila. La artista tiene obras monumentales en diversos lugares de la geografía española, así como en tierras internacionales. Trabaja activamente en proyectos de ilustración y poéticos. Combina su intensa actividad artística y expositiva entre España y Alemania con la colaboración en proyectos de investigación y docencia, así como la investigación en el arte sonoro.

 

02.- Hay que estar muy sumido en la ignorancia o la desidia para dejar de lado aquellos logros que nos deja el sacrificio, cuando no el tesón y el conocimiento, de una gran artista que se ha formado para sumar su legado al patrimonio cultural de un pueblo, ciudad o país. ¿De dónde le viene esa vocación y desde cuándo?

Mi llegada a este mundo sucedió de forma traumática. Lamentablemente mi madre sufrió un accidente al caerse por las escaleras, del cual estuvimos a punto de fallecer. Los médicos calificaron de un inexplicable milagro mi supervivencia. Desde ese momento hasta que aproximadamente cumplí los doce años, muy a menudo estaba bastante enferma, ya que mi sistema inmunológico era terriblemente débil. En mis primeros años de infancia, afortunadamente no viví en un hospital, gracias a que mi madre había realizado los estudios pertinentes y las prácticas con el pediatra que me atendió. Durante todo este tiempo, ella me leía cuentos e historias que estimulaban mi imaginación. Esta situación alimentó mi mundo interior y me convirtió en una ávida lectora. Mi cuerpo no funcionaba, pero podía desarrollar mi mente y disfrutar de la existencia que no podía vivir como niña normal. La casa familiar era un tesoro repleto de libros diversos. Esa madre que nunca dejó de cuidarme es la escritora Natividad Cepeda. Gracias a su literatura y al entorno doméstico – donde a menudo -se recibían amigos intelectuales de diversa índole, crearon el entorno cultural que abonaron la creatividad de mi infancia y adolescencia.

 

03.- ¿Cuándo comienza a vislumbrar que su interés junto a una enorme curiosidad le tienen programado un camino de relevancia e incertidumbre en el mundo del arte?

Soy una persona altamente sensible y siempre he percibido el mundo de forma sinestésica. Desde mi niñez, siempre me ha interesado el mundo de las pequeñas cosas, … las texturas de las diferentes superficies de forma táctil y visual, el reflejo de la luz y la sombra en los objetos vivos e inertes, el universo de los sonidos y la música, de los que incluso llegaba a emocionarme físicamente. Situación que se extiende hasta el día de hoy. Todo sucedió de forma orgánica y natural. De pequeña siempre recopilaba pequeños objetos, sobras de carretes de hilo etc       con los cuales construía otras cosas.

 

04.- ¿Qué deseo le anima a descubrir el interior de una pieza formada tan solo de piedra, qué prioriza su imaginación cuando se enfrenta a ella, cómo equilibra el paso firme y decidido a la perfección, al dar por terminada su obra?

El proceso de la creación artística es acto íntimo, espiritual, complejo y muy diferente en cada persona. A grandes rasgos, me inspira el universo de las emociones y la espiritualidad. La naturaleza siempre ha sido la luz que ilumina mi camino.

En el plano real y en la creación del volumen, en el caso de la escultura, se desarrolla la idea eligiendo la técnica adecuada apropiada para cada situación. Por ejemplo, el modelado en diversos materiales es más adecuado para enfatizar las emociones.

La perfección es un ideal que difiere en cada individuo y cultura. Al igual que las vivencias nos permiten cambiar y evolucionar, personalmente la creación artística es un concepto que siempre está vivo, no deja de desarrollarse de modo dinámico y expansivo. En base a esto, una obra que hipotéticamente concluyera en el presente, probablemente, en una vida llena de continua evolución – si no se va de mis manos -quizás me sintiera muy tentada a modificarla en el proceso de unos años.

 

05.- Salamanca tiene el encanto de la piedra y la naturaleza del conocimiento. El embrujo del arte lo aportan estudiantes como usted que dejó constancia de su aprendizaje en las aulas de la universidad y en sus obras la calidad contrastada. Háblenos de su formación como escultora y sobre las dificultades a las que tuvo que hacer frente.

Salamanca y su universidad son historia, cultura, belleza y carácter. Dentro de las Bellas Artes clásicas, los departamentos de escultura son las áreas más caras de mantener y equipar. Los materiales que se necesitan, herramientas manuales, la maquinaria de tipo industrial, los

espacios adecuados para trabajar con químicos peligrosos, explosivos, inflamables, tóxicos, ..el acceso a agua, electricidad, complica bastante las cosas. Ese es el motivo por lo que, en la mayoría de las universidades, son más fáciles de proveer los departamentos de dibujo y pintura: son más baratos.

Yo soy Técnico Superior de artes aplicadas a la Escultura, con lo cual en su momento me permitió tener una formación anterior de base clásica con materiales como la madera, piedra, hierro, barro, escayola y moldes de resina con algunas de sus variantes. En la Universidad debido a esta dificultad presupuestaria, como en cualquier otra buena Universidad española, lo que más se hizo fue modelar del natural con barro modelo desnudo. Evidentemente mi paso por Salamanca y Ávila me hizo amar la piedra- el granito de Ávila con su fuerte carácter y la arenisca y caliza de Salamanca- Tras hacer un pequeño curso de fundición de forma externa, a través de la Universidad me puse en contacto con excelente profesor Antonio Leonardo Platón, años más tarde sería mi profesor y una gran influencia en mi vida. Gracias a él me conocí a los amables y generosos canteros de la bella población de Villamayor de Armuña en Salamanca y específicamente, la cantera de los Zarzoso. Aunque ya había trabajado la piedra caliza durante años anteriores procedente de restos de lápidas y trabajos funerarios en Ávila, quería aprender algunas técnicas básicas de cantería aplicada a la piedra arenisca de Villamayor. A partir de este punto, de forma externa combiné los estudios más el trabajo y en vez de ir a festivales de música – que era lo normal para mi edad y generación- durante todo el tiempo libre del que disponía, participaba en todos los simposios profesionales de escultura que había en España. Y aun así, me notaba ciertas carencias en el entorno industrial y tras haber participado en varios simposios artísticos en la zona de la comarca del mármol de Macael, descubrí la única área industrial que tenía cursos de formación y trabajo al mismo tiempo, en los cuales se podía aprender el uso de maquinaria industrial que me faltaba para añadir a la talla artística. Durante muchos años nunca dejé de trabajar la piedra por mi cuenta de un modo u otro y al final acabé en Almería 2 años de trabajo y formación intensiva durante los cuales al final del tercer año, me fui a trabajar durante unos meses en una beca de intercambio colaborativo con una empresa de canteros en Alemania, donde pude conocer las técnicas alemanas industriales y manuales. Debo decir que durante estos primeros años era un territorio completamente masculino y que hasta que no llegue a la zona de Macael nunca había visto a mujeres escultoras o canteras. Recuerdo por ejemplo que, para la ropa profesional de seguridad, no existía la ropa de mi talla, los guantes eran enormes etc.

Todos estos años de aprendizaje y duro trabajo, fueron muy bellos para mí. Lamentablemente durante todo ese tiempo, no dejé de ver a personas que sufrían enfermedades profesionales respiratorias graves, cáncer e incluso muertes derivadas del uso de la piedra, de la resina o el polietileno, entre otros. En aquellos años, no estaban catalogadas como enfermedades profesionales y aún hoy la mayoría de los casos, continúan en este mal estatus. Todas ellas asociadas a los materiales que trabajaban, en la mayoría de los casos sin el conocimiento adecuado o porque no interesaba que existiera, aunque las grandes industrias conocían ya de su fatalidad.

 

06.- Alemania. Otro país, otra cultura. ¿Cómo valoró este país su trayectoria como escultora y qué cualidades resaltaron de su creatividad profesional?

El sistema de educación alemán es diferente al español, aunque comparte estándares europeos, en general a nivel educativo, se me percibe como una persona muy cultivada en un entorno donde lo normal, es que a nivel de formación, son las educaciones duales de técnico de grado medio o superior.

El expresionismo alemán y todo lo que ha acontecido aquí en los últimos casi 200 años hicieron que las artes plásticas en Europa, se desarrollarán como lo son hoy. Esto significa que además de las artes tradicionales, conviven con total naturalidad en la cultura otras expresiones artísticas; como la performance, el happening y la instalación, la danza entre otras muchas ramas artísticas. Esto era algo que no había podido desarrollar En España y en mi etapa de Dresde, finalmente pude expresarme con todas las disciplinas con las que me había formado.

Seguramente hasta el momento, ha sido la época artística más creativa y enriquecedora de toda mi vida. En esta etapa de varios años, tuve la suerte de poder trabajar de forma multi disciplinar con otros músicos y artistas de diferentes disciplinas con total normalidad. Artistas alemanes, pero también de otros muchos países culturas e idiomas.

En Europa la quimera de todo artista plástico es Berlín, al igual que en otras épocas lo fuera París. Berlín es un hervidero de artistas plásticos, músicos, bailarines, ..gente joven, creativa, llena de vida, energía y sin miedos.

 

07.- ¿Qué sintió al ser galardonada con el premio internacional “Antonio Gala” ?, ¿por qué somos tan reacios a reconocer los valores artísticos de nuestra gente, somos tan diferentes respecto a otros países europeos?

Este galardón y experiencia cambió mi vida por completo, amplió mi mundo, me hizo crecer como persona y creadora. Este galardón no solo era un premio por el trabajo realizado y el currículum como artista profesional, sino una convivencia con otros excelentes creadores de diferentes áreas de conocimiento como arquitectos, músicos, pintores, escritores, fotógrafos… El concepto se basaba en un ideal de comunidad artística, en la cual crecer, expandirse, compartir, debatir, … El gran Antonio gala nos hizo este regalo que cambió nuestras vidas.

Comparar un país Mediterráneo con otro de los llamados del norte de Europa es complejo y normalmente no funciona, porque cada uno tiene su historia, sus valores y su cultura.

Cuando estoy en España siempre escucho que no se valoran los talentos y yo creo que por un lado es cierto, sobre todo en lo referente a cultura y ciencia, porque desde que salí de España no he dejado de conocer -por ejemplo- a científicas que habían dejado España porque no tenían trabajo digno o muchos de ellos no encontraban trabajo directamente, y sin embargo aquí estaban desarrollando su investigación, en el en el Instituto internacional de Max Planck e incluso descubriendo avances científicos. Al igual que artistas de diferentes índoles contemporáneos y no contemporáneos bailarinas, músicos, pintores etc.

Es cierto que por lo menos hasta algunos años, los españoles éramos famosos por no hablar inglés o hablarlo terriblemente y esto es algo clave cuando se desea desarrollar ciertas carreras profesionales en el extranjero, porque no es suficiente ser bueno en una materia. La excelencia también existe en la gente local del propio país y cuando eres extranjero, aunque tu cualificación y tu experiencia sean excelentes, siempre se te exige mucho más en cualquier ámbito que a un local y esa exigencia nunca termina.

 

08.- ¿Cuánto hay de poesía y de música en cada golpe dado con su maza al cincel hasta que modela la figura deseada?, ¿Dónde podríamos acudir, presencialmente, para ver sus obras?

Cada obra es diferente, sin duda vive llena de poesía y ensoñaciones. Cada piedra produce un sonido distinto, cambia con cada golpe, música que te guía.

Como artista multidisciplinar he publicado colaboraciones de pinturas e ilustraciones con otros autores en múltiples ocasiones, cada cierto tiempo organizo exposiciones y además pueden verse obra estatuaria monumental en diferentes puntos de la geografía española como en Pontevedra, Segovia, Almería, Albacete, Salamanca, e incluso Portugal.

Escultura monumental, en detalle:

“Tren” 200 * 70 * 73 cm- Acero y Piedra Arenisca. Villamayor de Armuña (Salamanca) 2003 “Papiroflexia I” Series 240 x 65 x171 cm-Granito- El Grove- (Pontevedra) 2004

“Bella Quiteria” 160* 60* 40 cm- Hormigón.

“Molino de la Bella Quiteria” Munera (Albacete). 2005

“Istmo” 250 * 65 *62 cm – Piedra Caliza. Valdesimonte (Segovia) 2005

“Happy Machine II” Series- 120x 140 x 90 cm-Mármol- (Almería) 2008

“Happy Machine III” Series- 140 x 120 x 100 cm-Mármol- (Portugal) 2008

 

09.- ¿Qué sentimiento le incita a seguir mirando de frente a esa piedra/obra inanimada a la que tiene que dotar de expresividad?, ¿Qué vacío, dentro de usted, se llena cuando fija la mirada en el resultado final de su obra?

Los sentimientos y motivaciones que me inspiran, los temas centrales que me cautivan son el transhumanismo, la espiritualidad, la pasión, la idea de la indeterminación, el azar y el vacío.

Contestando a su pregunta, realmente no siento que haya un vacío en mí, mas bien las ideas nunca dejan de fluir, la obra para mi nunca acaba, es un ideal. Cuando la miro siento vida, una liberación. Algo que ya no me pertenece.

 

10.- ¿Cómo provocaría en mi persona, que soy un neófito en el arte de la escultura, el interés que demanda su obra artística?, ¿cuándo se tiene la sensación de haber rozado con la yema de los dedos el espíritu de la genialidad?

Gracias por la generosidad de su pregunta. Respecto a la genialidad no me corresponde a mí decirlo. Lo bello del proceso creativo de una obra es el viaje. En todas las ocasiones donde he realizado una obra monumental de cara al público, se ha producido una conexión con las personas que han ido a ver desarrollar la obra todos los días.

El primer día, el visitante puede observar una maqueta en muy pequeño formato, junto al bloque de piedra en el cual se va a transformar, recién sacado de la cantera con las marcas el corte y los agujeros de la pólvora de la extracción del fondo de la cantera, del corazón de la tierra. Esos primeros días donde aún no se vislumbra nada, algunas personas me preguntan qué escultura o monumento se va a esculpir, pero la mayoría te observa en silencio.

Durante esos primeros estadios, te verán tallar de forma manual y mecánica con radiales, cinceles, punteros, mazas, ..toneladas de piedra. La imagen conmueve, ya que se llevan mascarillas con dos filtros que recuerdan a las máscaras antigás de las terribles guerras, se hace evidente que, para esta técnica, se requiere por lo menos al principio, esfuerzo físico.

Después, comenzará el proceso de la talla, algo más tranquilo, en este momento esas personas que han pasado cada día, hablan contigo, te preguntan, empiezan a descubrir con sus ojos, muy lentamente la forma que tú has soñado. Algunas de ellos son canteros que han trabajado la piedra durante toda su vida, se alegran de verte porque estás pasando el testigo, hablan contigo de sus experiencias, les brillan los ojos, ellos saben que entiendes el lenguaje de la piedra tras horas de sol, frío, humedad y peligrosidad del trabajo. Se sorprenden gratamente a descubrir que eres una mujer.

Adviertes otras caras conocidas de los días anteriores, la escultura ya la están haciendo suya, sonríen con aire de pertenencia y orgullo, cuando le explican el significado y el proceso a sus familiares y amigos con los que pasean. Normalmente esa obra se quedará en su ciudad o su pueblo para siempre y siempre recordará que la vio crecer, que estuvo en ese viaje, que olió la piedra y la tocó, que se llevó una pequeña esquirla. Estas personas se han abierto personalmente contigo, conectándolo con sus experiencias, sabiendo que probablemente no te van a volver a ver nunca más en su vida: Tú aprendes de ellos y ellos de ti.

Este viaje extraordinario y atemporal ha sido para los dos. Al final han hecho la obra suya y así lo será para siempre.

 

11.- ¿Qué es lo que ha dejado de usted en cada folio escrito, en su pintura, en cada uno de los metales que ha trabajado y en las horas de inusitado empeño intentando asir con las manos el conocimiento pretendido?

El corazón, las estaciones, los sueños, la vida.

 

12.- Háblenos sobre las influencias que han enriquecido su formación y cuáles son sus aspiraciones a corto y medio plazo.

Sin duda las influencias que han enriquecido mi formación han sido en primer lugar mi entorno, mi casa, mi familia, la poesía de natividad Cepeda, la belleza de la Mancha y los cielos de Tomelloso. La generosidad de algunas personas que encontré en mi camino como canteros, mis profesores de universidad: Antonio Leonardo Platón, el escultor Hipólito Calvo, Concha Jerez. También el impresionismo, el expresionismo alemán, el arte primitivo, la cerámica etrusca , el expresionismo abstracto estadounidense, el Dadá, el Land Art, el arte conceptual, el minimalismo.

También artistas como John Cage y su 4,33”, el grupo español Zag, Esther Ferrer, Concha Jerez. El jazz, el Requiem de Faurè, el estético Debussy, apasionado Rachmaninoff, Philip Glass, Walter de Maria. Pintores como Turner, Millares, Zobel, Jackson Pollock, Mark Rothko.

Escultores como Chisto, Brancusi, Chillida, Henry Moore, Rodin. Literarios: la espiritualidad de Rilke, la poesía mística española, Antonio Colinas, Natividad Cepeda, Olvido García Valdes, Joseph Conrad.

Respecto a mis aspiraciones a corto plazo y después de haber superado una grave operación con una lenta recuperación, en este momento ya estoy colaborando en varios proyectos de ilustración y pintura digital con otros autores que serán publicadas próximamente.

A medio plazo y sin duda alguna, la continuación en la creación artística a través de la fotografía, ilustración/pintura tradicional y digital además de la escultura tradicional y contemporánea digital en 3d.

 

13.- En un mundo donde se evidencia la pérdida de valores y la disciplina deriva,

lamentablemente, al alza, qué papel juega el arte que es alimentado con tesón y pertinaz creatividad por el artista? ¿Qué le diría a la generación de estudiantes actuales de Bellas Artes?

Siempre hay que mirar hacia adelante. Agradecer cada día todo lo que tenemos, somos afortunados si nos comparamos con otros lugares del mundo, donde hay tanto sufrimiento y dolor. El pasado ya no existe. El presente está aquí y nos da la mano. Cuando yo miro a mi alrededor veo a jóvenes que trabajan duro y sueñan, evidentemente se expresan de modo distinto, pero ha de ser así. El mundo siempre necesitará la creación artística, aunque sea en forma de entretenimiento. Los artistas somos los únicos que necesitamos el arte como algo vital e instintivo.

A todos estos estudiantes de Bellas Artes les diría que nunca dejen de formarse y actualizarse con los materiales y los medios. En mi proceso tuve que vivir este cambio de diferentes sistemas a nivel técnico.

Aprendí a editar vídeos, revelar fotografías y dibujar o pintar tanto de forma analógica como de forma digital. Fue una exigencia del mercado y un cambio global del sistema. En el caso de que les interese el volumen, aunque aprendan de la Academia tradicional, es indispensable saber, que a nivel practico, en la mayoría de los casos, se ha quedado obsoleta o no es suficiente para la realidad del mercado. Hoy en día es obligatorio educarse en escultura digital, impresión y modelado 3D a través del ordenador, actualizarse con las técnicas industriales. Hoy en día la formación continua, no es una opción es una obligación. Por supuesto deben compatibilizar esto con conocimientos sobre redes sociales y venta online.

También recomiendo formarse todo lo posible sobre inteligencia artificial aplicada a la creatividad, no verlo como un enemigo, sino como una herramienta que ya es imparable, no es el futuro, sino que ya es el presente.

 

14.- ¿Merece la pena involucrarse en un proyecto artístico cuya relevancia está adherida a la creatividad, a veces espontánea, de un supuesto logro reconocido a nivel internacional, a pesar de no haber disfrutado de un mecenazgo que garantizara en parte su continuidad como

artista?

El camino del arte como de cualquier otra vocación artística de corte intimista, es un camino desapacible, solitario y difícil porque el corazón se expone. Pero su continuidad es una necesidad obligada y vital, un aliento cálido que te acompaña.

 

15.- Agradeciéndole su colaboración, valore esta entrevista y rubríquela.

Gracias por su trabajo y sus palabras. Le agradezco enormemente la labor de difusión que realiza de la cultura.

Un gran abrazo desde el nevado Berlín

                                                                                                                 Firma: